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當代藝術，如何看：藝術家觀點，帶你看懂作品

為了解決密爾瓦基美術館的問題，作者DavidSalle 這樣論述：

好藝術，如何看？ 當代藝術就是布滿專業術語的地雷區 該相信你的眼睛？藝評評價？藝術史論斷？還是市場賣價？ 紐約最前線、美國80年代新表現主義大將 塗鴉藝術家巴斯奇亞、凱斯˙哈林同代人、普普大師李奇登斯坦好友 重返20世紀藝術現場，說出藝術家們的激辯、交心、回憶與自白 歷經觀念｜行動藝術洗禮後的新觀看之道 繼約翰˙伯格《觀看的方式》，又一精彩觀點的經典之作 　　關於藝術的「如何」論戰，沒人比大衛˙薩利探索得更棒。──作家˙魯西迪 　　◎什麼因素讓當代藝術滴答運作？什麼因素讓它變成好藝術？又是什麼因素讓它顯得有趣？ 　　自杜象1917年在小便斗上簽名後，撼動了繪畫主導的藝術世界。視覺

藝術的變化速度日益加快，未來主義、構成主義、新地理、機制批判、非具象主義、表現主義、抽象表現主義、低限主義、新表現主義等新名詞大量繁殖，當代藝術成了布滿專業術語的地雷區，這些術語就像是為了將欣賞者淘汰出局而設計的。 　　◎近五百年後，再度挑戰「藝術家談藝術家」 　　美國80年代最重要的新表現主義大將：大衛•薩利（David Salle），試圖扭轉一般人被藝評家阻隔於現代藝術之外的現況。身為塗鴉藝術家巴斯奇亞和凱斯˙哈林的同代人，及普普大師李奇登斯坦的好友，他想用藝術家聚在一起聊天的語言談論當代藝術，說出一位創作人面對藝術世界這四十年來天翻地覆驟變的真心話。他是繼1550年義大利藝術家瓦薩利

，時隔近五百年後，再度挑戰藝術家談藝術家的後繼者。文集收錄的主題，從當代指標型人物到歷史人物皆有。許多是作者的同代人，有些更是認識幾十年的好友、同學。 　　藝術家講話的方式與記者不同，記者習慣把焦點擺在周圍脈絡、市場、觀眾等等，也跟學術評論不同，評論家會根據理論宣稱自己說法的正當性。這兩種都是宏觀敘事。但藝術家不一樣，他們談的是什麼有效，什麼沒效，為什麼。他們的焦點比較微觀；是由內往外推。 　　◎假如藝術會說話，如何區別哪些是真話？ 　　大衛˙薩利在書中舉例： 　　「Case 1.──曾經有個電視節目叫做《信不信由你！》。其中一集，令人印象深刻，內容是有個傢伙說他把自己的車子吃掉了。他花

了四年的時間，方法是把車子剁成碎片，每天吃掉一小塊，這個傢伙想辦法把整輛車都吃進肚子，包括方向盤、鉻鋼、輪胎，全部。用現在的觀點，他根本不知道自己正在創造藝術。」 　　「Case 2.──今天當代藝術分成兩大陣營。一邊是存在好幾百年不曾間斷的圖像性藝術；另一邊是數量正在增加的展演性藝術。我們不願面對的真相是：展演藝術比創作藝術容易。挑選比創新容易。想做出真正吸引目光的東西，需要獨一無二的充沛活力把知識、視覺和文化的面向整合起來。迴避這項整合工作的藝術，不太可能長久吸引人們的關注，因為它下的賭注比較少。當你心存僥倖，不敢繃到極限，情感的力道就會減弱。」 　　吃車子是藝術嗎？面對觀念藝術，繪畫

究竟太傳統，抑或更凸顯其獨有唯一性，仍具突破空間？複製品、模仿作，與原作有差別嗎？為什麼我們對某些藝術有似曾相識的感覺？對被評論的藝術家來說，是否認同藝評人的專家眼力？當我們欣賞一件當代作品時，要如何看出好壞？普普藝術大師李奇登斯坦，私底下如何評價自己的作品？他的作品，如何的「很不」安迪˙沃荷？市場價格等於藝術價值嗎？藝術家Jeff Koons被諷刺媚俗，他的作品是否只是譁眾取寵？與英國藝術家Hirst比起來，在話題之外，誰的藝術性耐久？這些似是而非，似非而是的疑問，該怎麼說，怎麼想？ 　　關於這些思考，作者歷經了四十年的寫作摸索。從1975年初到紐約，用寫作支付房租，到1980、1990年

代，改以一種懶人版的書寫形式進行採訪。最後，他採用最老派的方式，不採訪，純粹獨立書寫。「我發現，書寫可以幫助我理解對某件事情的真正想法，最後變成一種習慣，很難戒除。」 　　本書的架構分為四部分：「如何為想法賦予形式」、「當個藝術家」、「世間藝術」和「教學與論戰」。 　　最後一篇也可稱為「給年輕藝術家的建議」，包含一些可在課堂上或私下進行的習作。設計這些習作的目的，期待讀者從自身的連結、描述和類比中找到樂趣，帶領「一般讀者」摸清藝術家心思，不需太多專業配備，就可抵達藝術意義的核心。 國內專業推薦、名家推薦語（按姓氏筆畫排序） 　　胡朝聖∣胡氏藝術公司執行長 　　張世倫∣藝評人 　　張君懿

∣藝術家、策展人、國立臺灣藝術大學美術系兼任助理教授 　　陳敬元∣藝術家 　　黃亞紀∣亞紀畫廊負責人 　　劉惠媛∣策展人、藝術評論作者、臺灣數位文化科技與藝術學會執行長 　　龔卓軍∣國立臺南藝術大學藝術創作理論研究所副教授 　　「卸下當代藝術令人諱莫如深的專業術語，以直接、自然的口吻提供讀者欣賞藝術天馬行空的表現。」──胡朝聖（胡氏藝術公司執行長） 　　「透過大衛直觀又透澈的筆尖，揉合充滿溫度和歷史厚度的色彩。我似乎進入每個創作者的意識，用他們的筆觸描繪出一幅幅世代繪畫的圖像。」──陳敬元（藝術家） 　　「我經常說，好懂的藝術只有很貴的與很差的兩種，因多數人只關心「什麼」而非「怎麼」。本

書讓你擦亮眼睛。」──黃亞紀（亞紀畫廊負責人） 　　「假使藝術會說話，我們要如何學會區別那些是真話？除了好奇、觀看與直覺，我們所認識的藝術大多是來自於藝術家本人、評論、媒體、策展人和收藏家的口耳相傳，透過作者幽默機智的文筆，重返藝術現場，聆聽二十世紀現代藝術精彩的談話。」──劉惠媛（策展人、藝術評論作者、臺灣數位文化科技與藝術學會執行長） 　　「本書以親密對話的文體，讓讀者猶如置身小酒館、咖啡屋與工作室，聆聽藝術家們對當代藝術的激辯、交心、回憶與自白。」──龔卓軍（國立臺南藝術大學藝術創作理論研究所副教授） 國外如潮佳評 　　「如果說約翰•伯格的《觀看的方式》是藝術評論的經典，探究了藝

術是『什麼』，那麼大衛•薩利的《當代藝術，如何看》就是藝術家給的答覆，告訴觀者該『如何看』。篇篇精彩的文章談論藝術家在創作時，他們想什麼？ 關於藝術的『如何』論題，或許從來沒人比他探索得更棒。」──作家˙魯西迪 　　「一流的藝評有很多是由藝術家所寫的，是那種最不掉書袋，也不會只把藝術家當成棋子來看待的評論文章。大衛•薩利正是這類藝評者，他不問這是不是藝術？屬於哪種派別？而是問它讓我有什麼感受和思考？他的藝術作品經常被標籤為前衛，一種概念上的立場聲明，他巧妙地且以一種令人信服的方式提醒我們，所有的藝術，即使表面上看來桀驁不馴，也都等著被觀看，而藝術家做的正是教我們怎麼觀看。」──美國作家˙亞當

•高普尼克 Adam Gopnik 　　「大衛•薩利被認為是創作前衛且聰明的畫家，但他的這本書帶給我們的驚喜更多。他的第一本散文集是一場場精闢且近身的觀察手記。他認為新藝術源自古藝術，他在書中將不可親近的大師召喚前來，（當他提到他當代的朋友Alex Katz和Jeff Koons時），讓他們有了生動的形象和親近感。身為畫家，薩利似乎以身為藝術家大家庭的一員而感動且自豪，並從他所謂的『共享的藝術DNA』中推導他的繪畫形式，提升了所有傑作其實都是同一組創作的可能性。」──藝評家˙Deborah Solomon  

密爾瓦基美術館進入發燒排行的影片

以碎形理論探討Santiago Calatrava和Antoni Gaudi作品之建築美學

為了解決密爾瓦基美術館的問題，作者邱于暄 這樣論述：

碎形理論的發展來自於1967年由曼德爾布洛特在這篇研究中提出，此理論廣泛用於探討自然界的事物，不論是探討形體、現象或是一些無法運用歐氏幾何原理探討的事物，都可以運用碎形理論去做探討與解析。用於Santiago Calatrava和Antoni Gaudi的作品設計靈感大部分來自於大自然，故本研究希望透過碎形理論來解析兩位大師作品，並探討建築美學相關知識。本研究主要探討Santiago Calatrava和Antoni Gaudi的建築作品，同時，再配合Matlab這套軟體進行碎形維度的計算。建築美學中的美來自於建築物的造型、色彩、比例、與空間的氛圍，仔細觀察Calatrava的作品，可以發現

其作品遵照一定的秩序與規律再進行演變；而Antoni Gaudi晚期的作品則擺脫當時技術的限制，運用仿生的手法，讓建築物看起來更貼近自然，融入自然，讓建築物更具美感。從研究中可以發現Antoni Gaudi的作品碎形維度值較高於Santiago Calatrava的作品，在作品平面上可以發現兩個大師都有運用對稱、比例、秩序等手法進行設計，並且透過自然生物的轉換，將自然美帶入建築中，令建築與環境相融合並且呼應。此研究成果可提供建築學習者參考。 在心理感受的部分，經過上述碎形維度值與心理感受的探討可以發現，在碎形維度值得觀察下，Antoni Gaudi的作品碎形維度值比Santiago Cal

atrava的碎形維度值來的高，而心理感受則相反，在空間心理感受上，Antoni Gaudi作品心理感受幾乎都與Santiago Calatrava的作品心理感受相反，在喜好程度上則以Santiago Calatrava的作品空間比Antoni Gaudi的作品空間來的高，剛好與碎形維度值相反。

新天堂美術館

為了解決密爾瓦基美術館的問題，作者李清志 這樣論述：

　　「美術館是療癒人心的天堂！」從事建築旅行多年、被喻為「建築偵探」的作者，曾經在自己的旅行筆記中這樣寫道。 　　看盡知名建築師位於世界各地的代表性建築，作者突然感悟，最能表現建築師的美學態度，並且把建築物對人心的影響力發揮到極致的，其實是「美術館」。 　　為了讓悲傷的母親重新振作起來，作者帶母親到日本位於海邊的橫須賀美術館，看海、喝咖啡，被擅長描繪「童年」主題的谷內六郎畫作包圍；在這座「有如綠色絲絨上的珍珠」的美術館中，母親展露了久違的笑顏。作者自己則在東京市中心的國立新美術館，有過如夢似幻的美好經驗。建築師黑川紀章，在這棟波浪狀、青綠色玻璃立面的美術館中，展現了高超

的曲面建造技術；只是坐在門廳內的躺椅上，觀看玻璃牆外一大片的綠意，耳中聆聽著巴哈悠揚的音樂，就能讓人舒服地忘卻所有俗世塵囂。 　　本書收錄作者多年來走訪各地獨特美術館的建築筆記，包括當今最前衛的女建築師扎哈‧哈蒂（Zaha Hadi）所設計的香奈兒移動美術館，這座幽浮般的白色建築，可以拆卸、組裝，將以游牧的方式，出現在全球七個重要城市巡迴展出；以及一般人難以窺見，位於層層管制、戒備森嚴的聯合國教科文組織內的安藤忠雄建築，作者及一行朋友突破重重困難，終於讓非聯合國會員的台灣人得以入內一窺真相，過程中辛酸歡笑交織。展現建築師畢生功力的美術館，讓人們逃離生活的鬱悶，擁有幸福的片刻，對現代人來說，無

異是真正的天堂。

參數化建築皮層設計－以光線探討立面與空間之呼應關係

為了解決密爾瓦基美術館的問題，作者陳少喬 這樣論述：

本研究主要是藉由光線來探討建築牆面的變化性對於室內空間的影響，討論重點在於立面的形態與變動的意義。主要運用Rhinoceros與Grasshopper參數化設計工具的輔助操作設計，探討牆面因應不同的需求，藉由調整參數產生各種不同的結果。並且透過各種變因與光線之間的關係，整理出利用數位工具所發展出的一套設計方法。主要重點在於提出建築牆面會因應室內的條件、人數或使用性質的不同產生變化，外在環境的條件也是影響牆面變化的因素，將各種不同的需求訂為控制立面的參數，使建築皮層在造型與功能上能夠做出最適切的反應。嘗試打破以往光線、牆面與使用者之間單方向的關係，建築皮層做為室內與外在環境之間的介面，希望創造

出使用者與室內外三者之間不一樣的關連性。使得人們的行為與環境因素能夠影響牆面，牆面的變化也能夠重新詮釋光線與空間的關係，而這樣影響的層面可以是多面向的。研究內容主要包括三個部分：一、牆面紋理與可動構造：利用參數化工具整理出較規律的牆面紋理，以探討紋理對於光線的影響，並且先以較簡單的正方體來模擬室內光線的效果。二、牆面參數的控制：利用各種不同的參數來控制牆面的形態，探討在各種條件與變因的影響下，光線對於室內空間所產生出的差異性。三、室內與室外的連結：強調室內外的關連性，以牆面為媒介讓室內外的變化牽動著彼此，使用者的行為與需求均可以呼應到建築皮層的形態上，室內或室外條件的改變，使得牆面能夠因應各種

不同的變化做出回應。本論文對於建築皮層提出一種新的嘗試與思維，思考立面設計更多的可能性，嘗試突破目前對於建築皮層既有的認知，藉由牆面的設計重新組織人與自然之間的關係，希望對未來建築的永續發展提供後續研究者建築皮層設計上的參考。